"Pretendo crear un medio dentro del medio": entrevista / LM

En la foto Kevin Beovides. Manipulación digital del propio Beovides.

Kevin Beovides Casas (Cuba)
 
   En 2004 se graduó de Filosofía en la Universidad de la Habana, y además ha cursado estudios de Lengua Inglesa (Escuela de Idiomas "Tamara Bunke", 2002), de escritura de cuento corto (Centro de Formación Literaria Onelio Jorge Cardoso, 2004), y de creación de guiones audiovisuales (I Curso de Guiones Audiovisuales ofrecido por el Centro de Formación Literaria Onelio Jorge Cardoso y la Casa Productora de Series y Telenovelas del ICRT, 2006), Hoy se desempeña como profesor de Estética en el Instituto Superior de Arte, donde recibió la categorización de Instructor en el año 2006. Actualmente cursa una Maestría de Historia del Arte en la Universidad de la Habana. Sus obras pueden encontrarse en el sitio web El Diletante Digital.

   "Fundé el proyecto El Diletante Digital en el curso 2006-2007 (a partir de un sitio Web sobre literatura hipertextual titulado Esquina13, que llegó a Internet por primera vez en enero del 2005) como parte de mi actividad docente en el I.S.A. Es el primer proyecto cubano que se enfoca en el arte de los nuevos medios e Internet. Actualmente reúne las obras de una docena de creadores de varias manifestaciones artísticas. Las piezas, que se agrupan en 3 categorías, Net.Art, Literatura Hipertextual y Hacker-Art, son fruto de la colaboración y el trabajo interdisciplinar."

El Diletante Digital: http://www.eldiletantedigital.com

 

Pretendo crear un medio dentro del medio

-entrevista inédita con el artista de net work y fundador 
del proyecto "El Diletante Digital" Kevin Beovides Casas-

LM: Kevin, comencemos por explorar qué hay en El Diletante Digital de literatura y qué hay de net art -pienso en obras como Greca. En una conversación anterior me dijiste que no creías en las diferencias entre arte y literatura, y hablamos de que estás obras eran por naturaleza transdisciplinarias, algo que para resumir en una frase podríamos llamar "prácticas artísticas en Internet". Sin embargo, según recuerdo, tenías toda una teoría para explicar las conexiones y mixturas que establecen algunas obras de El Diletante Digital entre literatura y net art. Háblame un poco de esto.

KB: Algunas de estas “teorías” (no son para tanto) me salen más orgánicas mientras hablo que cuando me siento a escribirlas. En mi caso particular, no tengo duda de que me hubiera sido imposible escribir Greca sin el contacto con la plástica, con su dimensión auto-crítica, y específicamente con el Net.Art. Así que, desde mi punto de vista particular, la cuestión es evidente. No obstante, creo que se puede generalizar un poquito más que eso.

Todas las obras que se realizan en la intimidad de los nuevos medios son por naturaleza transdisciplinarias (uso tu término, pero preferiría otros: a-disciplinar o des-disciplinar) desde su concepción, aunque sea porque se dan en la frontera entre dos ámbitos tradicionalmente separados dentro del pensamiento occidental, como son la tecnología y el arte. Las producciones que se realizan en este espacio no se someten gustosas a distinciones maniqueas entre géneros y disciplinas.

Se puede sostener que hay varias líneas (término suficientemente vago) de experimentación artística que terminan siendo convergentes en obras como Greca. Me refiero al Net.Art, que proviene de la plástica, y a la literatura hipertextual (obviemos la confusión terminológica: hagamos “ommmm”), que como su nombre indica proviene de la literatura. Ahora bien, en estas obras particulares, estas líneas se mezclan de manera indisoluble, y ambas aportan determinaciones conceptuales, de manera que resulta imposible establecer una distancia real entre las disciplinas: plástica y literatura se funden en la realidad primigenia del arte.

Por supuesto, supongo que habrá que ejemplificar un poco. Se puede empezar, por ejemplo, con el texto mismo. En obras como Greca, funciona como imagen o tiene una dimensión gráfica que no es usual en los libros impresos. Las letras son evidentemente signos visuales, pero esta visualidad se acentúa de acuerdo a su contexto. El texto que aparece en la computadora, en Internet, es siempre imagen, y conviene tratarlo como imagen y no como texto. En el caso del libro impreso la imagen del texto desde el punto de vista visual esta como que dada: la imagen austera, y aburrida del texto negro y el fondo blanco. Pero en Internet no ocurre así, esa imagen nunca está dada, siempre hay que tomar decisiones de diseño, en cuanto a como se va a ver el texto, incluso el texto negro sobre fondo blanco es una decisión de diseño, que implica que la página se va a cargar más rápido o que sé yo. Siempre hay que diseñar cómo se va a ver el texto, y por tanto, ya que vas a tratarlo como imagen, más te vale tratarlo como imagen todo el tiempo. O sea, se deben escribir textos-imágenes. Esta es una de las razones por las cuales se puede decir que la literatura y las artes plásticas están vinculadas, o sea, que el Net.Art y la Literatura Hipertextual, están vinculadas desde la raíz, porque la imagen misma del texto es una imagen digital, una imagen heredera de la imagen movimiento en última instancia. Por otra parte la imagen funciona como texto. La uso narrativamente desde el primer momento. En el index.html de la obra hay cuatro fotogramas de la película “La Naranja Mecánica” que se suceden en un gif animado. Estas imágenes de por sí describen el contenido de todo poema.

Vale decir con respecto a las imágenes, que la mayoría (salvo las que han sido convertidas a ASCII art) provienen de una operación conocida en las artes plásticas como apropiación. También me apropie de un pedazo de la banda sonora de “Smoking Ases” (no estoy seguro de que el título sea exactamente ese) lo que nos lleva a la música. Esta manifestación artística, aunque más discretamente, también se funde con la plástica y la literatura en la obra total.

No podemos dejar de mencionar el contexto mismo en que se encuentra la obra, porque no es casual. O sea, no es anecdótico que use la Internet para una pieza como Greca: esta pieza fue pensada desde el principio para ser subida a la red. En principio, la literatura hipertextual no está ligada de manera esencial a la red de redes. En cambio el Net.Art sí, de hecho, su existencia sólo es posible dentro de ésta. En este sentido, también hay algo de Net.Art en la literatura hipertextual, al menos en mi opinión. Al principio traté de programar una aplicación que permitiera tanto la creación como la lectura hipertextual. Me pasé algunos meses programando en Java y, al cabo, llegué a la versión “uno punto cero”. Entonces entendí la inutilidad de mi esfuerzo: mi aplicación simplemente no cubría todas las posibilidades del más común de los exploradores, tampoco podría distribuirla fácilmente, y era poco compatible (porque para mal de males, usé librerías propias de Borland). Fue entonces que entendí que la distribución de la literatura hipertextual podía hacerse a través Internet, y que tratar de crear sistemas alternativos era el camino equivocado (a menos que se tenga una empresa con dinero para invertir y perder durante años).

La cuestión es que al tomar la decisión de poner a Greca en Internet automáticamente hay que hacerse cargo del medio también. O sea, no se pueden subir un montón de páginas y pretender que no se ha usado el medio (en realidad se puede, pero resulta profundamente superficial). De lo anterior se sigue, casi inmediatamente, la necesidad de usar la Internet como medio de expresión, y la búsqueda de un discurso, o de redefinir el discurso de la red. Esto nos pone de lleno en el ámbito del Net.Art, y lo más interesante es que se ha llegado a ello, a través de las necesidades mismas de la literatura hipertextual.

Se pudiera seguir explorando el tema, pero tema que ya he escrito demasiado… En lo adelante trataré de ser más breve

LM: En otra conversación me decías que la búsqueda de un lenguaje había sido la marca del arte del siglo XX. A mi modo de ver esto fue así con las vanguardias y luego hasta la década de los setenta, tras la cual termina lo que algunos historiadores definen como el siglo XX corto. Entonces comenzaría otra época signada en el arte no ya por la búsqueda de un lenguaje de características específicas sino por la asunción del abandono de esta búsqueda hacia la puesta en práctica de un arte de la polis, un arte político que pretende utilizar cualquier lenguaje, performativizar roles -lo que incluye la acogida temporalmente de un lenguaje otro o lenguajes otros-, hacia un arte que confunde sus fronteras cada vez más con la vida, aunque no como los surrealistas, sino cínicamente, subrayando las diferencias y/o cuestionándolas (para McLuhan, por ejemplo, un medio es: “cualquier tecnología que cree extensiones del cuerpo y de los sentidos humanos, desde la ropa hasta el ordenador”). Lo más interesante es que tu argumento sin embargo me lleva a otra idea que también señalaste antes: hacker art y net art surgen al mismo tiempo. ¿Si concibes el arte como una búsqueda o exploración del lenguaje estético, y teniendo en cuenta las particularidades de los nuevos medios o medios emergentes, crees que parte de la producción y curaduría de El Diletante Digital esté enfocada en la propuesta del net art como un lenguaje privilegiado para el arte y la literatura o el devenir mixto de ambas en este contexto?

KB: Por supuesto, el arte ha evolucionado en varias direcciones desde las vanguardias. Y así también mis ideales estéticos, que son cualquier cosa menos un sistema organizado, se han nutrido de muchas corrientes opuestas. Aunque me pesa reconocerlo no tengo tanta claridad como me gustaría. Por otro lado, cierto grado de contradicción en este sentido es bueno: garantiza la evolución.

Tanto me preocupa la búsqueda de un lenguaje, como el establecimiento de un ámbito de colaboración artística, que no esté manipulado por la Institución Arte: o sea, pretendo crear un medio dentro del medio (en esto sigo a Brea). De ahí que me haya decidido por un proyecto, y no por un sitio personal. Eso, junto a algunas experiencias ajenas, en forma de obras que se encerraban demasiado en sí mismas, como algo acabado y anquilosado a la larga, en un medio que cambia con una dinámica alucinante (en Internet, algo de hace tres días es viejo como el diluvio), terminaron por decidirme a adoptar la modalidad de proyecto para mi sitio Web. En este sentido estoy más en la sintonía del arte que pareces preferir por su actualidad.

También hay que mencionar que buena parte del Hacker Art se ha tornado hackactivismo. Ciertamente, no en Cuba (donde apenas existen algunas piezas mías y quizás alguna otra) pero sí en el extranjero. Y ese parece ser el camino natural de esta manifestación, y una de las razones por las cuales se le asocia al Net.Art, a saber, porque utiliza la red para hacer activismo de índole político o social. Esto ha llegado al punto de que, según los críticos afirman, es imposible hacer una obra de Hacker Art de derecha. Da que pensar, ¿eh?

En realidad, lo que llamo Hacker Art en mi sitio se puede identificar con el software art que es otro término usado en la actualidad. Es muy difícil orientarse en el alud de conceptos que nos ha venido arriba con el surgimiento de los nuevos medios. A la larga, parecería que ninguno tiene mucho sentido. Denomino a mis piezas Hacker Art, a despecho de cierta parte de la tradición, por el simple hecho de que me siento un hacker y las operaciones con que construyo estas piezas son puramente informáticas o cibernéticas, o sea, programando, editando los archivos en modo hexadecimal, etc. Otras categorías adyacentes serían el browser art, y el game art. Como dije antes, es trabajoso orientarse en este enredo de conceptos.

Por eso prefiero restringir varios de estos conceptos a prácticas artísticas en Internet y punto (browser art, hacker art, software art, Net.Art, blog art, e incluso la literatura hipertextual, cuando se dirige por necesidad propia a la red, etc.). Me resulta evidente, aunque puedo equivocarme, que el “soporte” (a falta de palabra mejor) para todas las piezas designadas por estos términos es la computadora, y el medio por excelencia la Internet. La PC condiciona una manera particular de percibir la obra de arte, y el sujeto que la percibe tiene ciertas características que pueden generalizarse (activo, analítico, inquieto, desconcentrado, etc.) Así mismo, las obras para este medio deben responder a condiciones y dinámicas particulares, distintas de aquellas a las que responden, digamos, el cine y la televisión.

No creo que se deba pensar el lenguaje de espaldas a estas ideas. Pero hablar de un lenguaje privilegiado me parece excesivo en este momento. El Diletante Digital en todo caso, prefiere asumir las diferentes gradaciones posibles. Ciertamente, a veces eso nos pone en una situación difícil cuando debemos clasificar las obras (con el objeto de ponerlas en el índice de esta o aquella página), otras resulta que no hay lugar donde “enganchar” determinada pieza, y se deja donde mejor parece (con la consecuencia adicional de que algunos críticos creen que no entendemos bien los conceptos que manejamos). Estos pequeños contratiempos, no obstante, están ampliamente compensados por la variedad. Es cierto que predominan las obras en forma de páginas Web, lo que haría pensar en cierta hegemonía del Net.Art, cuando en realidad se trata de algo simplemente lógico, pues el http es con mucho el servicio más usado de la Internet.

Con respecto a Mcluhan, lo cierto es que le tengo mala voluntad. Si una tercera parte de lo que escribió es cierto, mi trabajo carece de sentido. Si el medio mismo es el mensaje, todo lo que en el medio se mueva parecería intrascendente. Afortunadamente este autor desconoce el significado de la categoría de relación, y se puede demostrar (cosa que no haré aquí, así que ya puedes volver a respirar tranquila) que no entiende de manera correcta el vínculo entre tecnología y sociedad; menos, el que existe entre tecnología y arte.

LM: Cuando conversamos personalmente me llamó la atención el énfasis que ponías en la metáfora, y en la "poesía" del arte, al que atribuyes una enorme carga simbólica. "La belleza" te recuerdo diciendo acerca del resultado ideal de una obra lograda. No obstante, esto contrasta notoriamente con la concepción del arte de la que te hablaba más arriba, y que yo denomino "arte polis", y perpetúa el arte desde criterios que fijan "la obra" como una entidad estática. El arte contemporáneo, y específicamente el net.art, propician una manera de percepción distinta, del arte como proceso. En la historia del arte puede verse un derrotero que transita desde la obra como objeto -ornamento-, a la obra como medio -de expresión de un "mensaje" dirigido al espectador- y  acercándonos al siglo XXI el cuestionamiento de la noción de obra/autor hacia una práctica del arte como proceso que el "autor" desencadena, para ser culminado o continuado por el espectador. Las cualidades de los nuevos medios hacen difícil por ejemplo articular la anacrónica distinción contenido/forma, y el net art, cuyas piezas se centran en el código que es manipulado tanto por el usuario como por su creador, hace depositario del "sentido" de la obra a la dinámica de relaciones y el acontecer que tiene lugar a partir de estas. Muchas de las piezas de El Diletante Digital me parecen demasiado "cerradas", pretendiendo ser ellas mismas el resultado anticipado y sin dar espacio al devenir posible de la pieza en manos del espectador, apegadas a la idea del "autor" como creador omnipresente. Cuando asistí por primera vez a la exposición del proyecto en el ISA traté de comunicarte esa impresión que ahora concreto un poco más. ¿Qué piensas de esto?

KB: Si ese es tu criterio… me parece bien. En todo caso, estás en tu derecho.

Por otro lado, hay varias obras de Net.Art que requieren de la participación del espectador/usuario y que ni siquiera existen sin este: EPB, Invertida, Sepermuta, Cubaexterior, Podríamos Volver a ser Bebés y Tirarnos las Fotos de Nuevo. Otras son interactivas: Heads & Bodies, Oscuridad Subjetiva, Apariciones. En cuanto a la literatura hipertextual, Mapa para una Historia y Papeles Sucios aceptan colaboraciones. El caso de a4manos es particular, se trata de un proyecto sólo de colaboraciones.

Con respecto a la belleza, sucede lo mismo que con muchas otras categorías de la estética y el arte. Creo que esto incluso se puede llevar a la filosofía en general. Se dice que están superadas ciertas tendencias o corrientes, y se suponen olvidadas: hundidas sin remedio en el pasado y el olvido. Esto no ocurre necesariamente así. Más usualmente los nuevos movimientos muestran aristas no descubiertas (o esbozadas) antes del arte. Mientras, las categorías anteriores se reacomodan o mutan, pero no desaparecen necesariamente.

O sea, es algo que se ve en las críticas, en los talleres, en la práctica directa en fin. ¿Están los artistas preocupados por expresar algo, por encontrar cierto lenguaje? Sí. ¿Se habla de símil, metáfora, signo, etc.? Sí. ¿Se dice de algunas obras, por conceptual que sean, que son bellas? Sí. Concedo que hay equivalentes modernos para todo esto, pues ya nadie se para frente a un cuadro y exclama: ¡Oh, qué bello es! Mucho más probablemente exclamen: “Ño, esa pincha está de pinga!” Pero, en esencia, la idea sigue siendo la misma no importa como se diga. Incluso se usan términos tecnológicos para las mismas ideas. Por ejemplo, una vez un amigo mío y artista dijo que una obra de arte es un vínculo (usó el inglés, en realidad, o sea link) a otra realidad, a otra cosa. Algunas obras de arte conceptual son bellas como mismo algunas ideas resultan bellas; estoy pensando en la matemática, por ejemplo, que está cargada de belleza y elegancia.

De forma que toda esta cuestión me parece bastante resbalosa.

LM: Encontré en mi agenda una anotación sobre una frase tuya: "Yo soy un nerd interesado en arte". La frase parte del diálogo que sostuvimos acerca de lo que tú llamabas "la especialización del conocimiento en el siglo XX", donde el net art a tu modo de ver es solamente "para entendidos", sobre todo en lo que se refiere a las herramientas cibernéticas. De ahí que consideres que el público -si es que la palabra público cabe en materia de net art, donde creo ha sido efectivamente fracturada la "cuarta pared"- "más abarcador", que no puede comprender la realización de "la obra" de net art, no es quizá el destinatario de la misma. A mi pregunta, ¿quién pudiera ser el destinatario de El Diletante Digital? contestaste: "no es el crítico, pero sí el consumidor de las redes", es "el nerd, joven, deshinibido, no-consumidor ciego o desmesurado", el "interesado y hambriento de conocimiento". La descripción parece dibujar un "lector ideal" como destinatario, y una autodefinición implícita del Kevin Beovides o quizá también de un "autor ideal" para el net art.

Es mi opinión que junto a la llamada crisis de la cultura existe un movimiento de desplazamiento de cánones discursivos, que quizá se acerquen a lo que pretenden abarcar términos  un tanto prematuros como "postoccidental", "postcolonial" o "mundialización", por citar algunos de los más usados en el campo de la epistemología de nuestros días. Esto va acompañado en la práctica por dos de los fenómenos más importantes de nuestra época: el fenómeno de Internet y la globalización. Ambos condicionan una sociedad que por un lado se aparta del saber como hegemonía, con su endiosamiento de la escritura, tal y como lo contemplaba hasta hoy la sociedad occidental de la primera y segunda modernidad (Renacimiento e Ilustración), y por otro genera un saber otro, que tienda hacia la horizontalidad facilitada por los medios y el conocimiento de todo tipo accesible en la Red. La diversidad de las fuentes debido al acceso creciente a los medios por la mayoría, incluso por la iletrada, hace que la legitimidad misma de fuentes históricamente predominantes esté en crisis en nuestros días. Todo ello conduce, creo yo, a la ruptura de esa concepción del conocimiento como propiedad de una élite privilegiada en términos discursivos y prácticos. Esto, aunque no es la panacea ni la completa democratización -la democracia es un ideal por el que trabajar en base a la diversidad de intereses, no una posibilidad tangible de imposibles y tiránicas igualdades-, sí representa un cambio de sensibilidad que crece como tendencia en el mundo contemporáneo.

Es usual que las personas accedan través de Internet a saberes específicos tales como programación, mecánica de aparatos eléctricos multimediales, o material útil para el cracker.

Mi pregunta es pues doble ¿qué cree Kevin Beovides de esta "democratización" del conocimiento y cuáles son sus relaciones -prácticas- con el arte de El Diletante Digital?

KB: Me descubriste: mi público ideal se parece tanto a mí como… yo mismo. No debe ser una coincidencia. El hecho es que me he tenido que convertir en público de estas obras, para poder ser creador de las mismas. Esto es algo que se toma a la ligera por lo general, pero que reputo de imprescindible. No se cómo se podría escribir hipertextualmente, sin desarrollar primero una mentalidad adecuada. Ahora bien, no todo en la descripción del público es caprichoso. Según dicen en los cursos de diseño Web al espectador le bastan 7 segundos para decidir si un sitio le interesa o no. ¡Siete segundos! Pero eso lo aprendemos en propia piel, pues uno mismo navega Internet mientras oye música y responde el correo. Se puede aprender mucho de los procesos mentales del espectador de Internet utilizando la introspección.

En mi fuero interno espero que El Diletante Digital tenga suficientes capas o niveles como para interesar a varios públicos, y he intentado que haya obras para cada uno de ellos. He conceptualizado que tengo los siguientes grupos a los cuales me dirijo: el de los artistas (plásticos, escritores, etc.), el de los propios miembros del proyecto, el los nerd (el mayoritario sin dudas, y por donde empezó esta conversación), el de los especialistas (prensa especializada, críticos, estetas, historiadores, etc.; aunque lo haya negado en una conversación informal, lo cierto es que son un público que no puedo, ni quiero, obviar), y el de las instituciones que puedan estar interesadas.

En especial el público Nerd probablemente se inclinaría más por la literatura hipertextual que por el Net.Art (no es esta una afirmación tajante, téngase en cuenta lo antes dicho sobre la conexión entre literatura y plástica). Este último, me temo, seguirá siendo un asunto de especialistas, o de una minoría en última instancia. Y con esto no quiero objetar nada a la "democratización" del conocimiento. En sentido general es un desarrollo lógico dentro de la cultura, que se viene fraguando desde la invención de la imprenta y pasando por la creación de la fotografía y le cine luego. Pero ¿implica la democratización del saber que todos seremos especialistas en neuro-física, bilogía-molecular y cibernética? No lo creo. Tampoco creo que todos nos volvamos súbitamente, y en virtud de ser usuarios de Internet, en especialistas y consumidores de arte postmoderno.

La democratización ha levantado tanto polvo por razones teóricas, como por otras que son mucho menos edificantes. Lo que se discute en el fondo es un asunto más relacionado con el poder que con el saber (aunque toda voluntad de saber sea voluntad de poder). Creo intuir que la discusión real consiste más bien en lo que me gusta llamar: “¿quién se queda con la feria?”. El libro no es sólo un dispositivo para distribuir el saber, también es un buen negocio (quizás no tanto como el fútbol, pero deja bonitos dividendos). Y asociado al libro están editores, profesores, autores, instituciones, etc. Especialistas todos en diferentes aristas de este objeto particular, que ahora se pone en peligro. Ya se ha visto surgir grandes compañías emergentes como Netscape y Google, y el futuro augura otras. Esto es lo que preocupa seriamente a las instituciones tradicionales y sus funcionarios (por ejemplo, la Wikipedia es una amenaza directa a las enciclopedias).

¿Están las instituciones preparadas para ingresar en Internet? Algunas sí, otras definitivamente no. Los museos y galerías lo han intentado todo: desde exposiciones hasta subastas. Y algunas tendencias como el Net.Art han puesto en duda la capacidad de estas instituciones para adaptarse. Otro tanto puede decirse de la literatura hipertextual. El Diletante Digital se ata, como proyecto, en los nudos de estos problemas.

LM: La política, que no sólo se refiere a los gobernantes, sino en un sentido más amplio y menos corrupto a toda la vida del individuo en sociedad, es un término que solemos esquivar con rapidez en las conversaciones sobre arte y literatura en Cuba. Salvo algunas excepciones, entre las que se encuentran Tania Brugueras, con su "arte de conducta", la política se explota de manera más o menos explícita según el caso en el arte nacional, incluso en su grado más obsceno -aquel que se refieren a la política ejercida por gobernantes o grupos tradicionales de poder sobre minorías o grupos sociales en desventaja. En el contexto del net art, la política y el arte han ido de la mano en prácticas de hacker art, intervenciones públicas en medios tradicionalmente concebidos para la propaganda -pantallas públicas promocionales, pantallas de aeropuertos, transporte urbano, etc.- o en plataformas de Internet concebidas con fines comerciales, entre otras -todas creaciones para la subversión de políticas hegemónicas específicas establecidas en el espacio de la sociedad civil. El Diletante Digital sin embargo no parece asumir o entender ningún ethos en el campo del arte a no ser que este sea el de la noción aislada de arte o arte puro, en una de sus también polémicas denominaciones. Por ejemplo al hablar de video-juegos creados por artistas de nuevos medios, recuerdo que me comentaste el "carácter hedonista" y la cuestionante "realidad vs. ficción" presente en estos, obviando las potencialidades en política de subversión de los mismos. ¿Qué puedes decirme acerca del ethos en el caso de El Diletante Digital?: ¿puedes hablarme acerca de las propuestas del proyecto?

KB: En un sentido bien amplio, toda práctica artística es política. Pero con decir simplemente esto no se ha logrado ninguna ovación, pues habría también que develar las mediaciones y determinaciones de esos conceptos. En especial, desde que el arte conquistó su autonomía y demás... Es mi opinión, que siempre hay espacio para obras viscerales, y emotivas, que apenas tengan referentes externos al individuo. De una manera u otra, El Diletante Digital es hijo de una época de desencanto. Los temas y actitudes que mueven a sus fundadores bordean el decadentismo. Desgraciadamente, no creo que siempre nos lo confesemos.

En la exposición del proyecto, durante la X Bienal de Habana, leímos nuestro manifiesto. Nos costo algún tiempo llegar a un consenso. Finalmente, creo que logré redactarlo de forma tal que nuestros puntos de vista quedaran claros. El Diletante Digital asume una postura estética frente a problemas de la cultura y el arte. Pero no es un sitio dado al proselitismo político. Estamos conscientes de que hay quien interpreta la Internet en esa clave. Nosotros, en cambio, asumimos la Internet fundamentalmente como fenómeno artístico y estético. Hay obras que activan resortes sociales, y que están cargadas de preocupaciones políticas, pero siempre están envueltas en alguna metáfora, en vez de expuestas de manera directa (son obras de arte, no ensayos o “descargas”). Ya antes hablamos de esto, así que no voy a insistir.

LM: Llegando al final me gustaría mencionar el interés de El Diletante Digital, fundado por Kevin Beovides, de darle un sentido pedagógico al proyecto por añadidura en el contexto cubano. El Diletante, proyecto independiente en diálogo con las instituciones cubanas, ha sido hasta hoy una comunidad de miembros que salen y entran, provocando nuevas bajas y altas, y siendo un espacio de tránsito para jóvenes interesados en el arte y los medios. Sé que también quisieras crear un espacio de debate para este campo, incipiente en nuestro país, y que se enfrenta a numerosos obstáculos en la isla. Como dato curioso podemos develar que esta entrevista que pensamos originalmente como un chateo, para aprovechar la dinámica de los medios acerca de los cuales conversamos, terminó siendo un brevísimo intercambio a través de mensajería internauta: correo electrónico con cuestionario -por mi parte- y correo electrónico de respuestas -por la tuya. Mi última pregunta va enfocada hacia las especificidades que toma el net art en un país como Cuba. Sé que conoces a otros grupos e individuos que trabajan con nuevos medios en la isla, ¿cómo es ser net artista en Cuba y cómo ves el panorama para esta vertiente contemporánea en el futuro cercano y a El Diletante Digital dentro de el mismo?

KB: No creo que exista tal cosa como “net artistas” en Cuba, en el sentido de un grupo de creadores dedicados fundamentalmente a ese género. Se han realizado varias obras, desde el 2003-2004, que exploran la Internet y varios de sus servicios, pero por lo general cada artista hace una obra y luego sigue a otra cosa. La cantidad de obras tampoco es precisamente abrumadora, y sitios o comunidades dedicadas a este tipo de experimentos, hay realmente pocos. Esto último es importante, pues una buena parte de lo que significó el Net.Art estaba asociado a la comunidad on-line que generó. Nosotros en cambio, parafraseando a Rewel Altunaga, somos una comunidad off-line que, curiosamente, debate temas on-line. Por supuesto, la desconexión en que viven los artistas no ayuda en este sentido. El Net.Art en Cuba, hay que entenderlo en el contexto más amplio del Arte de los Nuevos Medios, e interesarse por producciones fronterizas.

Con respecto al futuro, bueno… no me gusta hacer futurología, pero creo que puedo hablar sobre un plazo breve, de dos años quizás. Parece probable que en el futuro, el interés por el arte de los nuevos medios, y el Net.Art en particular, aumente entre artistas y críticos (más incierto parece el futuro de la literatura hipertextual). Quizás los más jóvenes vengan a dinamizar este ámbito, en la necesaria búsqueda de su propio lenguaje. Espero que mi proyecto ayude a encausar las ansiedades de algunos estudiantes del ISA, y que algunos más se gradúen con obras en el mismo. Lo que nos lleva a El Diletante Digital, del que puedo decir que, al menos, rinde dos años más._D





En la foto Kevin Beovides. Manipulación digital del propio Beovides. 

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DAVIS MUSEUM, antropofagia estética: Entrevista a Davis Lisboa / Lizabel Mónica

DAVIS MUSEUM (España, 2009- )
 
   DAVIS MUSEUM, The Anthropophagic Davis Lisboa Museum of Contemporary in Art in Barcelona es un mini museo de arte contemporáneo radicado en Barcelona. Sus dimensiones son de 7,8 x 7,8 x 7,8 pulgadas (20 x 20 x 20 cm) y puede visitarse en el estudio de Davis Lisboa, C/ Puigmartí 7, 1º, 2ª, 08012, Barcelona, España). Es un proyecto sin fines de lucro que organiza, produce y promueve el arte contemporáneo de artistas emergentes de todo el mundo, cuyas piezas son recogidas en exhibiciones de cuatro meses de duración en este museo de pequeño formato. Entre los objetivos citados en la página web del museo, davismuseum.com, se encuentran el de trasladar las muestras hacia otras instituciones culturales, nacionales e internacionales, propiciando el debate, el pensamiento y la reflexión en torno a las artes visuales. Su misión, dice Davis Lisboa, es "la selección, presentación, estudio, diseminación y preservación del arte contemporáneo de todo el mundo".      
   El creador de este proyecto, fundado en la fecha reciente de enero de 2009 es el artista plástico Davis Lisboa (1965, São Paulo, Brasil), quien vive y trabaja en Barcelona. DAVIS MUSEUM dispone de su propia colección de arte en pequeño formato y es "por el momento", un proyecto alternativo sin fines de lucro. 

DAVIS MUSEUM, antropofagia estética: 

Entrevista a Davis Lisboa

-entrevista inédita para la Revista Desliz-

Lizabel Mónica: Mi primera pregunta para Davis se desprende de la línea anterior. Davis Museum no es ni pretende convertirse en un negocio, pero anuncia que puede convertirse en un proyecto oficial con el apoyo de alguna institución interesada. ¿Puedes hablarnos de las estrategias a largo plazo que DAVIS MUSEUM, The Anthropophagic Davis Lisboa Museum of Contemporary in Art in Barcelona está planeando para sobrevivir y/o crecer?

Davis Lisboa: Es muy importante dejar claro que DM es un museo y está exclusivamente enfocado hacia el estudio y divulgación de las artes visuales contemporáneas. No es una galería de arte, por lo tanto, no está interesado en la comercialización de las producciones culturales ni con plusvalías. Esto no quiere decir que no se pueda buscar un sponsor privado o público o una subvención estatal, para que el proyecto pueda crecer. DAVIS MUSEUM está siendo presentado a algunas fundaciones y algunas de ellas demuestran un cierto interés en el museo. También existen algunas personas interesadas en participar con su trabajo voluntario. Uno de estas personas es una arquitecta canadiense que estaría dispuesta en proyectar un edificio virtual para DAVIS MUSEUM en Second Life. Se trabaja duro, seamos, pues, pacientes, porque creo que los resultados vendrán.

LM: ¿Hay / habrá estrategias de colaboración en DAVIS MUSEUM con otros proyectos e instituciones?

DL: Sí. Ha habido, hay y habrá colaboraciones de DAVIS MUSEUM con otros espacios e instituciones culturales, tanto oficiales como alternativas. El LACDA, Los Angeles Center for Digital Arts; el Museo Karura Art Center (MKAC); el Centre Cívic Parc-Sandaru y la Pontificia Universidad Católica del Perú son ejemplos de estas colaboraciones.

LM: ¿Davis Lisboa trabaja solo en la producción, promoción y organización de DAVIS MUSEUM? ¿Será esto siempre así?

DL: Cuando son exposiciones virtuales, normalmente trabajo “casi” solo en la producción, promoción y organización de DAVIS MUSEUM.

De vez en cuando recibo ayudas puntuales de muchas personas, como en la orientación del proyecto, por parte de Maribel Perpiñán; reconocimiento institucional por Joan Solá; búsqueda de alternativas de financiación por Inés Garriga Rodriguez y Belén Sánchez; reseñas críticas por Irene Pomar; cambios de formatos de vídeos  por Anna Accensi Alemany;  envío de e-mails, por Anna Accensi Alemany; tradución y rectificaciones de textos en Inglés,por Phyllis Alter y Darla Farner; rectificaciones de textos en español y catalán por Francesc Accensi Alemany; diseño de la página web por Anna Accensi Alemany y Aurelio Moreno Lanaspa;  sesión de espacio expositivo, divulgación  y construcciones de espacios virtuales en 3D por Yolanda Arana López, divulgación académica por José Domingo Elias Arcelles, entre otros.



Ticket de DAVIS MUSEUM


Cuando son exposiciones físicas, siempre hay unas cuantas personas más involucradas en el proyecto, como en el transporte por parte de Lidia García Rojo;  entrevista, montaje y difusión por Catarina Sousa y Bruce Rex;  sesión de espacio expositivo, organización, carteles, flayer, animación, catering, reportajes fotográficos, préstamo de proyectores de vídeo y otros objetos por Laura Urrea García y Bruce Rex; ayudas económica, por la Tasca; entre otros.

Además de todos los artistas que ya han enviados sus obras para hacer parte del acervo de DAVIS MUSEUM.

En el futuro, y si un patrocinador me lo permite, me encantaría poder contar con la colaboración de un crítico, un historiador y un restaurador de arte.

LM: La muestra inaugural de DAVIS MUSEUM (1ero de enero- 31 de marzo de 2009) fue The Museum Is The Work Of Art de Davis Lisboa: el objeto-museo que puede tomarse como una suerte de prólogo de sí mismo -el objeto escogido para crear este museo es una urna de votación, un cubo de metacrilato utilizado para recoger los votos en una elección. DAVIS MUSEUM se autodenomina museo/escultura/obra de arte colectiva, y tal como lo declara la página web, su dinámica de exposiciones determina una autoría colectiva que lo conecta con la estética relacional, alterando la noción de autor. ¿Quieres hablarnos acerca de esto?

DL: DAVIS MUSEUM está vinculado a la estética relacional porque es una obra que, al contrario del Conceptual de los años 70, está en contra las concepciones del arte como idea cerrada, abstracta, incomprensible, alejada, inaccesible, con una postura crítica en contra de la visualidad y sobre todo, inútil socialmente; en cambio DAVIS MUSEUM defiende la idea de la obra como abierta, concreta, razonablemente comprensible, cercana, moderadamente accesible, con una postura -aunque crítica- “coqueta” con la visualidad, y por encima de todo y lo más importante: socialmente útil para las personas relacionadas con las artes visuales. DM no es solo mi obra de arte, sino que es nuestra obra de arte colectiva, creada con la participación voluntaria de varios artistas y colaboradores. Estos, desde luego, tienen el pleno derecho de firmarla. Esta idea es menos común en las artes plásticas que en el cine o en el teatro, en que la formación de un grupo es fundamental.

LM: La presencia del vocablo "antropofagia" en el subtítulo para connotar la práctica caníbal de DAVIS MUSEUM, The Anthropophagic Davis Lisboa Museum of Contemporary in Art in Barcelona, y su descripción como una obra que "se traga" otras obras de distintos artistas y disciplinas está asociado en la argumentación del proyecto a la Semana de Arte Moderno de São Paulo de 1922, que irrumpió en el arte y la literatura brasileñas con toda la fuerza del movimiento modernista de vanguardia, así como a las neovanguardias que tuvieron lugar en las décadas de los ochenta y noventa. ¿Qué toma Davis Museum de ambos momentos y cómo articula este legado dentro de la estética postmodernista o neomoderna que asimila o consume la mirada contemporánea?

DL: DAVIS MUSEUM toma prestado el término, el concepto, de lo “antropofágico” como legado cultural del Modernismo Brasileño de 1922. Aquellos artistas lucharon para construir una identidad moderna brasileña, mezclando sin ningún pudor las tradiciones culturales indígenas, africanas y europeas. DAVIS MUSEUM también quiere reconstruir y redimensionar esta identidad brasileña, tragando, cual indio sudamericano caníbal, la cultura llegada de fuera, para regurgitarla y transformarla en producto artístico revelador. En cuanto a las propuestas de la posmodernidad de los años 80 y 90, DAVIS MUSEUM se adentra en un proceso crítico de los límites de la autoría y el plagio, proponiendo la imposibilidad de la creación original pura del imaginario romántico y propone la hibridación, mezcla y fusión total de géneros y categorías artísticas.

LM: En el texto de Irene Pomar, fechado en París, en julio de 2009, que colocas al inicio de la página referencial de DAVIS MUSEUM, se dice: "DAVIS MUSEUM acts as a new device for experimentation, a place where the visitor enters and donated works of art are exhibited, creating a game of feedback..." ¿Es así para Davis Lisboa? ¿Puedes abundar sobre esté círculo cerrado que se concentra en la esfera de la producción cultural contemporánea?

Cartel de DAVIS MUSEUM

DL: Sí, para mí, una de las característcas de DAVIS MUSEUM es que crea un pequeño laberinto o acertijo mental, invisible para los ojos y perceptible solamente bajo un análisis reflexivo de sus relaciones intrínsecas. En relación a como este círculo cerrado que se concentra en la esfera de la producción cultural contemporánea, basta recordar que toda la estética relacional de DAVIS MUSEUM se sustenta en la utilización de plataformas gratuitas y redes sociales como Facebook y YouTube, que juegan un papel fundamental, no solo en la organización, como en los contenidos estratégicos relativos a las posibilidades e investigaciones del New Media Art. Parafraseando a Bruce Rex, curador del LACDA, Lo digital define lo contemporáneo.

LM: Mencionas como precedentes a DAVIS MUSEUM la Boite-en-valise de Marcel Duchamp y la Galerie légitime de Robert Filliou. Otra vez nos remitimos a las palabras introductorias de Irene Pomar, en las que se dice que DAVIS MUSEUM "enjoys the neutrality of the readymade object" y se encuentra más allá del Dualismo y el Simbolismo. ¿Hace uso DAVIS MUSEUM de esta llamada "neutralidad" del ready-made? En otras palabras: ¿"cree" en ella DM?

DL: DAVIS MUSEUM posee una intención estética neutral que comparte con la escultura ready-made, lo que no significa que busque lo mismo desde el punto de vista conceptual. Y es así por una cuestión de prioridades visuales. Pienso que DAVIS MUSEUM debe ser un espacio físico silencioso y abierto, para que la obra de los demás artistas pueda comunicar sus contenidos críticos o líricos.

LM: En el perfil que aparece en tu página web dices que eres un artista "polifacético, multidisciplinar y globalizado" que trabaja borrando las fronteras entre artes aplicadas y plásticas, alta y baja cultura, arte y mercado, tecnología y artesanía." Existe todo un tópico en el campo de la hermenéutica que alcanza a las artes plásticas contemporáneas, y que distingue entre "globalización", como un proceso desencadenado fundamentalmente desde los Estados Unidos, y "mundialización", en tanto experiencia del encuentro, vista desde una noción relacional, entre diferentes culturas. ¿Estás al tanto de esto? ¿Cuál es tu posición al respecto?

DL: No estoy al tanto sobre este tema. No tengo ninguna posición al respecto.

LM: Recientemente tuviste un incidente con la promoción que se le hizo al proyecto alemán Smallery, muy parecido a DAVIS MUSEUM, aunque posterior en su fecha de creación. Los articulistas decían que Smallery era el proyecto de su tipo más pequeño en el mundo, obviando a DAVIS MUSEUM, que es menor en proporciones. ¿Crees que existe un problema de divulgación insalvable con los proyectos artísticos no-europeos o no-estadounidenses? ¿Cuál es tu opinión al respecto y qué estrategias de divulgación tienes y proyectas para DM?

DL: DM es proyecto artístico nacido en Barcelona aunque posee una “alma” multicultural. DAVIS MUSEUM ha sido inaugurado en el día 1 de enero de 2009 y Smallery ha sido inaugurada en el día 7 de agosto de 2009. El primero tiene una dimensión de 20 x 20 x 20 cm, mientras que el segundo tiene una dimensión de 200 x 200 x 200 cm. Smallery se anuncia como posiblemente la galería más pequeña de Berlín, Alemania o del mundo (según la publicación), lo que me parece un título muy llamativo, que demuestra la habilidad de sus “creadores”, para esquivar las críticas de posibles “afectados” sobre la fechas de creación, tamaño, localización del proyecto. Una vez que descubrí a Smallery, decidí entrar en contacto con el periódico español El País y pedir explicaciones del porque los proyectos artísticos alemanes acaban por tener más divulgación que los españoles. La respuesta del responsable del Suplemento Cultural fue que simplemente los reporteros no conocían a DAVIS MUSEUM y que los directores estudiarían mi caso e intentarían rectificar y apoyar a los proyectos nacidos en la península. Es momento de esperar como se desarrollan los acontecimientos. Mientras tanto, la estrategia de divulgación de DAVIS MUSEUM continúa centrada en la utilización de plataformas gratuitas en Internet como Facebook, Blogger y YouTube. Aúnque también debo informar que DM ya tiene dos reportajes televisivos que serán emitidos en octubre de 2009. Europa Televisión emitirá uno de ellos que se calcula tendrá aproximadamente 1.000.000 de espectadores en Eurasia y la BTV (Barcelona Televisión) que emitirá el segundo reportaje, el día 18 de este mes, para el público de la ciudad.

LM: Hablas portugués, español, catalán e inglés. El uso del inglés como lengua preponderante en los espacios virtuales de DAVIS MUSEUM, se debe probablemente a la preponderancia de este idioma en el mundo. ¿Es esto así? ¿Alguna estrategia futura al respecto?

DL: Sí. Toda la información de DAVIS MUSEUM, de momento, se presenta en Inglés, por la preponderancia que este idioma posee; aunque no se descarta la posibilidad de que la misma información esté disponible en otros idiomas, como el Catalán, Español, Francés, Portugués, Alemán, o incluso, el Chino Mandarín. Eso sí, desde que haya un sponsor que colabore con la traducción de los textos.

LM: Como museo portátil, DM lleva su muestra hacia otros espacios de exhibición (en tu página se mencionan museos, bienales, centros culturales y galerías). ¿Hacia qué espacios se ha trasladado DAVIS MUSEUM, The Anthropophagic Davis Lisboa Museum of Contemporary in Art in Barcelona desde su fundación en enero de 2009? ¿Hacia dónde viajará próximamente?

DL: Hasta la fecha de hoy [Nota del Editor: Esta entrevista fue realizada en  septiembre de 2009], DAVIS MUSEUM ha sido expuesto en el LACDA, Los Angeles Center for Digital Arts, en los Estados Unidos y en el Centre Cívic Parc-Sandaru, en Barcelona, España. Para un futuro, existen dos comisarios residentes en Francia que mostraron su interés en participar del proyecto. Estamos estudiando la posibilidad de que DAVIS MUSEUM sea expuesto en Paris, pero todavía no hemos fijado ninguna fecha.

LM: El criterio de selección de DAVIS MUSEUM parte de su preferencia por artistas ya que tengan al menos una de sus piezas en un museo o que hayan participado en alguna bienal de arte o evento de arte de importancia. ¿No atenta esto contra las intenciones del proyecto de trabajar "borrando las fronteras entre artes aplicadas y plásticas, alta y baja cultura, arte y mercado, tecnología y artesanía", y limita el alcance de DAVIS MUSEUM para llegar a artistas emergentes que por razones de estrategia o por circunstancias geopolíticas se mantengan al margen del mercado y las instituciones?

DL: El criterio de selección de los artistas de DAVIS MUSEUM no es rígido. En la información de la web de DAVIS MUSEUM se puede leer “tendrán preferencia los artistas que tengan al menos una obra en un museo…”. Es decir, los artistas que poseen un buen nivel, conseguirán algunas ventajas como la de tener prioridad en el calendario de las exposiciones virtuales o preferencia en exposiciones colectivas en espacios culturales físicos. Eso no quiere decir que las obras de los artistas que no estén en un museo sean rechazadas por completo, sino que tendrán su lugar y tiempo apropiado a sus méritos. Algunos artistas seleccionados para tener sus obras en la colección permanente de arte contemporáneo de DAVIS MUSEUM provienen del arte comercial, otros son autodidactas y otros no tienen todavía un currículum muy sólido, pero todos ellos, por otro lado, han demostrado que hacen un buen arte.

LM: Para el instante en que salga al espacio virtual la Revista Desliz con esta entrevista, habrás cerrado la muestra de PSJM, Khodorkovsky, 2006, animación, 52'', expuesta en DAVIS MUSEUM desde el 1ero de julio al 30 de septiembre de 2009, y estará en exposición 800ºC, de Gê Orthof, 2009, técnica mixta, 7,8 x 7,8 x 7,8 pulgadas, programada para el 1ero de octubre y hasta el 31 de diciembre de 2009.  ¿Qué puedes decirnos de estas dos muestras?

DL: Prefiero que la gente lea los manifiestos de estos artistas publicados en la web de DAVIS MUSEUM y en sus páginas personales, donde encontrarán información sobre los interesantes planteamientos artísticos de estos artistas. Personalmente, pienso que es un honor tenerlos en la colección de arte contemporáneo de DAVIS MUSEUM.

LM: Ha sido un gusto conversar contigo y presentar este joven proyecto en Desliz. Dejamos para el final la pregunta de rigor: ¿Planes de DAVIS MUSEUM, The Anthropophagic Davis Lisboa Museum of Contemporary in Art in Barcelona?

DL: Los planes inmediatos de DAVIS MUSEUM se remiten a encontrar un mecenas o sponsor privado o público que quiera invertir en el proyecto. De esta manera podremos mejorar el espacio de exposición de las obras, la organización de calendario y eventos, crear una instalación itinerante y publicar catálogos, en principio virtuales y, más tarde, impresos, que puedan favorecer a los artistas y a la cultura en general._D

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